Autores Renacimeinto Escultura

La Escultura Renacentista .

·         Las innovaciones escultóricas se gestan en la obra de Nicola Pisano en el siglo XIII.

·         En un principio, la escultura renacentista se desarrolla en relación con la arquitectura. Mas, la estatuaria no tarda en independizarse. Al igual que las demás artes, refleja el humanismo ambiente exaltando la belleza del cuerpo humano, utilizando los nuevos conocimientos anatómicos y los canones griegos.

·         El hombre es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo.

·         Además, la escultura se caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas, tanto en el bajo relieve como en la estatuaria.

·         El bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectónica. Su principal progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas por Lorenzo Ghiberti.

Donatello

(Desconocido - 1466/12/13)

Donato di Niccolò di Betto Bardi 

Escultor italiano 

Nació en 1386 en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi. 

En su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas de este periodo las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia) y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. 

Hacia 1443, trasladó su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto florentinoMichelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano). Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista.

Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia). 

Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466

Análisis de la escultura David de Donatello. 1440.

Esta obra fue realizada en bronce fundido y pulido. En principio la escultura se colocó en el patio del palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue expulsado de la ciudad la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio, sede de la señoría de la república. Actualmente se halla localizada en el museo del Bargello de Florencia.

La textura de su superficie es lisa y pulida, pues el artista parece imitar el aspecto de la piel humana, intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo cual además proporciona una cierta sensación de blandura y tersura.

La escultura puede ser contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la frontalidad.

La pose de la figura nos remite hacia una composición reposada y serena, casi estática, mostrando una gran serenidad interior después de haber conseguido la victoria sobre su rival.

La composición es plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un David adolescente. El cuerpo de David aparece representado como si de un Dios olímpico se tratara. Un joven de anatomía blanda apenas desarrollada y que adopta la postura clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido Goliat cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su oponente.

Análisis de El Condottiero Gattamelata”

 (Bronce, 1447-1450, Plaza del Santo, Padua). Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la ejecución de las proporciones.

Se trata de un guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el animal, el caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como Il Verrochio.

El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.

ANDREA VERROCCIO

Biografía

Andrea di Michele di Francesco de Cioni nació en Florencia en 1435 y falleció en Venecia en 1488, conocido simplemente como Verrocchio; hijo de Michele di Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y tejas y, más tarde, como recaudador de impuestos. Fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino. 

Obras

EL BAUTISMO DE CRISTO

-          1475 - 1478

-          Pintura al óleo sobre Tabla

-           Mide  177 cm × 171 cm

-          Realista y Natural

-          Utiliza la triangulación

-          Se atribuyen algunas partes a Leonardo Da Vinci (Alumno de Verrocchio)

VIRGEN CON LOS SANTOS JUAN BAUTISTA Y DONATO

-          1475 - 1483

-          Pintura al óleo sobre Tabla

-           Mide  189 cm × 191 cm

-          Realista y Natural

-          Utiliza la triangulación

Luca della Robbia

Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.

Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.

“Madonna con el Niño”

 (Terracota esmaltada, 1445-1450, Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Muestra las dos figuras dentro de un nicho enmarcadas por un arco de medio punto. El niño se muestra sosteniéndose sobre uno de sus pies con gesto cariñoso mientras su madre le sostiene evitando así que caiga. Esta Madonna influirá mucho en las pinturas que se realicen con el mismo tema en época contemporánea y posteriormente, entre otros autores Fra Filippo Lippi seguirá este modelo para sus pinturas.

 

“La Visitación”

 (Terracota esmaltada, 1445, San Giovanni Fuorcivitas, Pistoia). Escultura de tamaño natural que se encuentra en uno de los nichos de esta Iglesia de Pistoia. Para muchos estudiosos es obra de su sobrino Andrea, en cualquier caso parece una colaboración entre tío y sobrino con clara influencia de Il Verrochio.

GIOVANNI BELLINI

Pintor italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.

También llamado Giambellino, nació en el seno de una familia de pintores; su padre, Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da Fabriano, desempeñó un importante papel como introductor de la estética renacentista en Venecia. Su hermano Gentile fue un importante retratista que colaboró con él en la decoración del palacio ducal e incluso viajó a Constantinopla a retratar a su sultán.

Las primeras obras de Bellini, realizadas con la técnica del temple, salieron del taller paterno, lugar de aprendizaje, trabajo y formación hasta que marchó a Padua, hacia 1460. Allí conoció al pintor Andrea Mantegna, su futuro cuñado, de quien aprendió a dominar el dibujo, como puede verse en ”Oración del huerto de los olivos”, y a quien a su vez enseñó la luz de la escuela veneciana. Bellini era por entonces un gran paisajista, virtud que transmitió años después a los discípulos de su taller. 

MADONNA DE LA PRADERA

La Madonna de la pradera' muestra a Jesús durmiendo en las piernas de la Virgen. Es una pose natural, sin embargo, se anticipa a la Piedad, en la que su cuerpo muerto se sentó en el regazo de su madre. El paisaje muestra las tierras de cultivo y colinas fortificadas de las provincias de la parte continental de Venecia. A la izquierda de la Virgen a un pájaro que vadea, posiblemente una grúa, ataca una serpiente. Esto puede tener como objetivo simbolizar la lucha del bien y del mal. El buitre en el árbol puede ser un símbolo de la muerte. La pintura ha sido trasladada desde el panel de lienzo y está dañado en algunos lugares.

LA SANGRE DEL REDENTOR

En esta obra de Bellini, Cristo se muestra como el Redentor. El Panel puede haber servido como la puerta de un sagrario, en la que el vino y el pan de la misa se ​​mantuvieron. Cristo se muestra después de la crucifixión, como el Hombre de los Dolores, cuya sangre salva al mundo del pecado. Él lleva a cabo su cruz, con la corona de espinas. Un ángel le llama la sangre en un cáliz, como las que se usan en la Misa. El parapeto relieves que ilustran antiguos rituales paganos y puede tener un significado para el significado de la pintura, pero ninguna teoría convincente sobre esto todavía no se ha avanzado. Antes de limpiar, en 1978 hubo un suelo de baldosas ininterrumpida, incluyendo un poco de aceite-pintura sobre originales de Bellini temple de huevo. Limpieza eliminado estas adiciones. Los parches desnudos de yeso, o de tierra, fueron pintados originalmente como nubes con ángeles rojos y azules con mucho oro. No sabemos por qué o cuando se retiraron los ángeles, pero sin duda se hizo después de Bellini terminó la obra.

Giorgione (1477-1510)

Biografía

Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477 Venecia, 1510), pintor italiano, representante destacado de la escuela veneciana.

Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi, en colaboración con Tiziano. Se le considera el inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del estado de ánimo del artista.

Obras

"La tempestad resume todas las claves del "giorgionismo". Es un cuadro del que se desprende una profunda sensación de misterio. En este cuadro todo parece casual los personajes no dominan, ni por su escala ni por su posición, el paisaje, no gobiernan la estructura del cuadro; tampoco la naturaleza aparece sometida a una disposición rígida según las leyes de la perspectiva cuatrocentista. Por primera vez la naturaleza no es un telón de fondo y ni siquiera el campo de acción de la historia o del mito, sino que asume un nivel de protagonismo idéntico al de ellos. Y es que La tempestad tampoco es un paisaje con figuras. Es inquietante como relaciona los personajes con el paisaje de la naturaleza que se encuentra tormentoso, mientras los personajes se mantienen tranquilos sin preocuparse de la naturaleza como si nada pasara.

Venus dormida

Es la última obra que Giorgione pinto antes de fallecer, no fue terminado por él, pero en el cuadro podemos apreciar la técnica de paisajismo emocional que el creo, por la forma de las nubes y la forma en como oscuras el panorama de las casas, se puede ver una técnica delineada tanto en el paisaje como en la diosa acostada, nos deja apreciar la forma en la que descansa indiferente a lo que pase en la naturaleza, sin preocupación y separada de la pequeña aldea como símbolo de superioridad o indiferencia al pueblo, la forma en como utiliza los colores claros en la diosa como símbolo de divinidad y el rostro tranquilo descansa sobre su brazo, mientras su mano se encuentra en la ingle como demostrando un toque de pureza.

Correggio (Antonio Allegri) (1489-1534)

Biografía

Poco es lo que se conoce acerca de las circunstancias personales de Antonio Allegri.

Oriundo de la localidad de Correggio su sobrenombre deriva prácticamente de este hecho, nace a finales del s.XV las fechas están entre 1489 y 1493 ya que no se sabe exactamente su fecha de nacimiento, disfruto de una breve vida ya que murió en 1534

La obra más antigua documentada de Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de los franciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla es conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modelo iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de un esquema piramidal completamente clásico. La fama de Correggio se consolida a partir de la tercera década del s.XVI, recibiendo encargo por parte de grandes mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico II Gonzaga.

Obras

Adoración de los pastores

En esta obra de Correggio podemos apreciar una pintura un poco oscura que tiene un foco de luz en el niño Jesús que se encuentra en las manos de María creando así un efecto singular entre el contraste de luces y sombras. Los rostros alegres, sonrientes de los pastores, San José y María demuestran claramente el estilo carismático o dulce que tenía Correggio. Podemos apreciar que se rompe la simetría del renacimiento al desplazar la imagen del centro hacia la derecha y entrando a algo típico que se verá en el Manierismo.

 

Leda y el cisne

Forma parte de un conjunto de cuatro lienzos que el duque de Mantua, Federico Gonzaga encargó al pintor con una temática mitológica en el que el pintor Corregio narra la historia de Leda, la joven y bella esposa de Tindáreo a la que Zeus poseyó en el río Eurotas adoptando la forma de un hermoso cisne. Podemos apreciar que el artista ha optado por unificar diversas escenas de la historia en un mismo espacio, así establece en el centro la unión entre Leda y cisne. Podemos ver una sensualidad en la pintura propia de la época acompañada de moderación y elegancia. Podemos observar que la pintura está fuera del renacimiento ya que los personajes no se encuentran delineados y la pose de Leda. Observamos que al lado derecho también se encuentra Leda desnudándose, y al final rechazando con sus gestos al hermoso cisne.