PINTURA
La pintura posee varios tipos de
composición, como por ejemplo geométrica. Las temáticas que se manejan en este
periodo es el paisaje, el desnudo mitológico, el retrato y la religiosidad.
Mientras en técnicas podemos ver que se hallan los frescos, talla en madera,
Fundición en metal y en óleo. Las pinturas son realistas y maneja la
perspectiva en ellas.
MOSACCIO
El primer gran pintor del
renacimiento italiano. Masaccio, cuyo verdadero nombre era Tommaso Cassai,
nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a
formar parte del gremio de pintores florentinos. Masaccio estará más influido
por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con
los que
comparte una visión artística
renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De
Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática. De Donatello
adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo
gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la
pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la
representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. La
obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte
florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.
ADORACIÓN DE MAGOS
Se trata de una de las
composiciones más atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se
incluyen, el recurso del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde
encontramos a la Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán
a autores de posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla
Francesca. Sus figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran,
distribuyéndose por el espacio de manera acertada para crear el efecto de
perspectiva. La luz resbala por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los
vestidos, reforzando el incipiente naturalismo que encontramos en la imagen.
Las dos figuras embozadas que forman parte del cortejo podrían tratarse de
retratos por su individualización aunque no están identificados
BAUTISMO A LOS NEÓFITOS
Material: Fresco.Estilo:
Renacimiento Italiano. Está inspirada en los Hechos de
los Apóstoles y narra la conversión
al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones, eligiendo el
momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio unos 3.000. La
escena se
desarrolla ante un fondo de paisaje; san Pedro ocupa la
zona izquierda de la composición mientras que un joven desnudo se arrodilla en
el río para recibir el agua del bautismo; tras él se ubica otro neófito desnudo
que se cubre con los brazos para sofocar el frío siendo una de las mejores
figuras salidas de los pinceles de Masaccio al transmitir la sensación casi de
temblor de manera soberbia. Las figuras se integran en el espacio con absoluta
perfección, creando incluso un efecto de atmósfera al desdibujar los contornos
de los hombres del fondo. La iluminación empleada resalta el colorido y la
volumetría de los personajes, interesándose el maestro por la anatomía clásica,
como vemos en los desnudos.
PAOLO UCCELLO
Pintor renacentista italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di
Dono, destacado por sus innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva
lineal. Nació en Florencia y recibió su primera formación del artista
florentino Lorenzo Ghiberti. En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos
de la fachada de San Marcos. De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del
condottiero inglés sir John Hawkwood para la catedral de Florencia, donde
triunfa su ansia de volumen y monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una
serie de vidrieras para la catedral, una de las cuales, La Resurrección, se
conserva todavía en su lugar originario. También se conservan fragmentos de sus
frescos en el claustro de Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447
y representan la creación y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin
duda las tres versiones que realiza de la Batalla de San Romano (Uffizi,
Florencia; Louvre, París; National Gallery, Londres), a fines de la década de
1440. En ellas destaca la figura monumental del caballo, visto en los más
violentos escorzos. Por otro lado, éstas y otras obras como La cacería (1468,
Ashmolean Museum, Oxford) reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto
sentido decorativo en sus composiciones.
BATALLLA DE SAN ROMANO
La utilización de un tema que en principio parece exigir una
representación "naturalista", como pretexto para una investigación de
índole casi abstracta sobre la naturaleza del espacio, le condujo a la
configuración de un mundo forzosamente extraño por cuanto comportaba el
desprecio de los datos sensibles. Lanzas, cascos, caballos y soldados se
disponen sobre la superficie pictórica como datos previos de una ecuación matemática
para cuya resolución se hiciera necesario reducir a términos fijos un
determinado número de variables. Los caballos adquieren una dureza de cartón
piedra, los contornos asumen una rigidez cortante y ello, junto a la
esplendente policromía -aquí y allá de tonos planos y arbitrarios-, acaba por
producir una atmósfera surreal. Quizá no ande desencaminada la idea de
Heydenreich y el pintor intentara conseguir aquí un género nuevo de decoración
mural inspirándose en los tapices o en los trabajos de taracea, pero en éstas más
que en cualesquier otras obras, lo que se hace evidente es que Uccello se mueve
en el campo de lo puramente mental y no en el de las sensaciones.
La luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero
ello no supone entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera
medieval, sino como el efecto de lo que podríamos llamar luz escénica.
Los objetos aparecen aislados, delimitados en su propio valor lumínico,
y cumplen una función estructural, porque sirven como elementos a través de los
cuales se desarrolla toda la trama perspectiva del escenario.
EL DILUVIO Y LA RETIRADA DE LAS AGUAS
Las dos escenas de la luneta parecen reagrupadas en una sola, con
la perspectiva que se pierde a lo lejos, en las aguas turbulentas, pero cada
una de ellas tiene un punto de fuga diferente, determinado por cada una de las
dos caras opuestas del arco. Su rigor de construcción, su riqueza cromática,
sus delicadas óptico-perspectivas, su amplitud, su audacia, diferencian
claramente esta escena de las góticas “Escenas del Génesis” en el mismo
claustro. Parece que se haya querido subrayar expresamente su individualidad
dentro del interior del gran ciclo del cual sin embargo forma parte. Ello fue
seguramente una elección deliberada de los comitentes, probablemente madurada
después de una pausa en la ejecución de los frescos.
}
FRA
ANGELICO
ü BIOGRAFÍA
Fra Angelico nace e Roma en 1395 y
muere el 18 de febrero de 1455. En sus pinturas se puede ver que se orientó
hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce luz
florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza
de los volúmenes. Fray Angélico utiliza colores decoristas y brillantes para
representar muy bien los sentimientos espirituales.
La pintura del beato Angélico
sorprende tanto por su calidad técnica como por la profunda devoción religiosa
que inspira.
ü OBRAS
Pintura:
La anunciación
Análisis
Simbólico: La pintura representa cuando el Ángel Gabriel anuncia la llegada de
Jesús por medio de María, la virgen en primer plano y en segundo plano se ve a
Adán y Eva. Un rayo de Luz simboliza el nuevo amanecer en la Historia de la
Cristiandad.
Análisis
de composición: La pintura tiene formato horizontal donde la línea visual parte
desde la parte izquierda hacia la derecha. Las formas son definidas por lo que
se puede afirmar que son cerradas. El esquema compositivo parece ser una L
donde el equilibrio compositivo es de peso por tamaño, por el tamaño de la
imagen de María y el Arcángel. En cuanto al criterio compositivo cumple la ley
de la compensación de masas. Las figuras se encuentran en segundo y tercer
plano. Utiliza colores claros en la parte derecha un con oscuros en la
izquierda.
Pintura:
La coronación de la virgen
Análisis
Simbólico: El cuadro representa el momento en el cual María es coronada por ser
símbolo de la virginidad, y los santos que se encuentran alrededor la admiran.
Análisis
de composición: El formato se encuentra en vertical donde la tensión de la
vista se centra en la parte superior, cuyas formas son delimitadas por lo tanto
son cerradas, el esquema compositivo es un triángulo con equilibrio compositivo
de peso por tamaño. Tiene simetría axial. Las figuras resultan ser los santos,
María y Jesús que es quien la corona. Los colores utilizados son claros de
maneras que se encuentra en el cuadro bastante iluminación y contraste con los
colores fríos con un poco de los cálidos.
SANDRO BOTTICELLI
(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510)
Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta
entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien
en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un
estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo
en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un
primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la
alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas
y el centauro.
Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que
no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación
del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían
reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de
enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.
A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y
el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481
fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros
tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su
regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y
redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de
Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la
Divina Comedia de Dante.
Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha
permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su
obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de
los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi,
Filippino Lippi.
NACIMIENTO DE VENUS
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura
de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de
las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y
mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería
de los Uffizi, Florencia.
PRIMAVERA
La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central
Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos
mitades y marca el eje.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas
antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal
propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente
alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan
los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y
presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente
iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece
recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de
Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus
ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores
muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta
técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena,
incluso parece emanar de los propios cuerpos.
La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y
vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los
personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente
relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en
realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici.
Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella.
Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por
la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio,
Lorenzo, en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios
sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.
El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas
flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también
reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de
fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva
rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas,
clavellinas y anémonas.
Andrea
Mantegna
BiOGRAFÍA
A
los 17 años rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta,
recibiendo sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación,
llevándolo a uno de sus tantos viajes a Venecia, para casarse con una hija del
reconocido pintor Giovanni Bellini.
Pintor
de cámara en la corte de los Gonzaga en Mantua, dedicándose la mayor parte de su
vida al servicio de los diferentes mandatarios mantovanos.
Tras
un breve periplo romano reclamado en 1487 por el Papa Inocencio VIII regresa a
Mantua, donde se incorporaría al estudio de Isabella d'Este, esposa del Duque
Francesco II Gonzaga, la cual, supo rodearse de los mejores pinceles del
momento. Por la presencia de nuevos artistas, decayó su situación económica
trayéndole problemas de salud, el cual en 1506 y a los 75 años de edad,
fallecería en Mantua.
Principales
obras de Andrea Mantegna
Retablo
de San Zenón (Pala di San Zeno)
Realiza
un retablo para la iglesia de San Zenón de Verona en su taller de Padua la cual
es enviada una vez finalizada a Verona en el año1459, está considerado el
primer retablo plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una
disposición arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un
remate a modo de frontón semicircular.
En
el cuerpo superior preside la imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por
los Apóstoles divididos entre las dos tablas laterales, mientras que en la
predela, aparecen las escenas de la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la
Resurrección de Cristo.
Es
perfectamente observable en todo el conjunto como Mantegna se ha desprendido
totalmente de cualquier rasgo de arcaísmo en favor de un gusto plenamente
moderno, caracterizado tanto por el naturalismo de los paisajes como por el
gusto plenamente clasicista de las arquitecturas.
Lamento
sobre Cristo Muerto
Magnífico
estudio de anatomía que representa la culminación del estilo duro, casi
escultórico, e intensamente dramático de su autor: el cadáver aparece encima de
una mesa, cuya superficie, lisa y rígida, introduce un factor de expresión
dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus dimensiones
se acortan de forma brutal.
Se
determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la
pintura antigua: el torso modelado por una luz rasante, y el volumen y la
textura de los pies descritos con detalle. La simplicidad de las superficies anatómicas
contrasta con el plegado de la tela
La
Virgen, acompañada por san Juan y una tercera figura de la que sólo es visible
la parte inferior del rostro, se encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su
boca se contrae en un rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y
que, sin duda, anticipa el gusto manierista por la expresión rebuscada.
Escasos
toques de color animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud
monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda
descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos
tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el
pintor de cadáveres lacerados.
La
figura ha sido representada en un impresionante escorzo y reducida a un
tratamiento perspectivo que determina que pueda ser vista desde distintos
puntos, alterando la rígida estaticidad monofocal
LEONARDO
DA VINCI
Leonardo
Da Vinci era científico y artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci
(Italia) en 1452 y murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un
humanista universal y el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo
consigo el retrato de Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y,
por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente.
Desde 1513 a 1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban
pintores como Rafael y Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con
estos artistas. Leonardo era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes
obras pictóricas para abandonarlas sin terminar. Sus detallados estudios de la
anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes
que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre
ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable
curiosidad.
LA
GIOCONDA
ANÁLISIS
La
técnica utilizada es óleo sobre una tabla de 77 x 53 cm.
La
composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma
una composición triangular) y el paisaje.
La
Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el
horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden
entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la
técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles pertenece
Renacimiento s XVI "Cinquecento".
El
dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz
que adquiere mucha importancia juntamente con las sombras (dan profundidad a la
obra).
LA
ULTIMA CENA
Es
una obra construida sobre la simetría y la perspectiva como efectos básicos de
la composición, estando Jesús en el centro del cuadro en sentido horizontal y a
su vez está justo en el punto de fuga de la perspectiva central.
La
técnica empleada es de Temple y óleo sobre yeso.
La
pintura es religiosa y se encuentra en el Refrectorio de Santa María delle
Grazie (Milán).
Pertenece
al Renacimiento (Cinquecento)
MIGUEL ÁNGEL (Michelangelo Buonarroti)
Biografía
Miguel Ángel, fue un pintor, arquitecto y escultor
renacentista de la época, nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese,
Republica de Florencia-Italia y murió en Roma-Italia el 18 de febrero de
1564. Considerado uno de los mejores artistas de la historia, debido a sus
maravillosas esculturas, pinturas y obras arquitectónicas, de Buonarroti si se
conservan esculturas, pinturas y obras arquitectónicas como es la Fachada
de la Basílica de San Lorenzo en Florencia, la Biblioteca Laurenciana
donde realizó la sala de lectura, el artesonado de la sala de lectura,
el vestíbulo, las escaleras, el grabado de la plaza del Capitolio, entre
otras.
OBRAS
• LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO
La Conversión de San Pablo, es una obra pictórica de
Miguel Ángel, técnicamente es un fresco (Un fresco es
una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas
de mortero de cal), se encuentra en la Capilla Paolina del
Palacio Apostólico en la Ciudad del Vaticano, data de 1542 a 1542,
mide 6.25m de alto y 6.61m de ancho, debido a que el autor trabajaba mucho en
frescos, esta técnica ya se apodero totalmente de él, pero en este fresco,
la obra fue muy criticada, debido a que las figuras huyendo en desorden no
fueron bien recibidas.
• EL JUICIO FINAL
Miguel Ángel es el creador de una gran
obra pictórica El Juicio Final o El Juicio Universal, es un mural
realizado al Fresco, para decorar el ábside de la Capilla Sixtina en Roma en la
Ciudad de vaticano (El ábside es la parte de
la iglesia situada en la cabecera. Generalmente tiene planta
semicircular pero puede ser también poligonal), El Juicio Final es un enorme
conjunto pictórico que mide de altura 13.70m y de ancho 12.20m, es de
genero religioso cuyo tema es extraído del Apocalipsis de San Juan.
Rafael Sanzio
.jpg)
(6 de abril de 1483-6 de abril de
1520)
También conocido como Rafael de
Urbino o simplemente Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano.
su obra está impregnada de un
equilibrado clasicismo. su estilo es la mejor expresión de la “belleza ideal”.
su aprendizaje de p. de la francesca, leonardo, y m. ángel convierten a rafael
en el artista que mejor representa el sincretismo renacentista.
Algunas de sus obras: Retablo
Baronci (una pala de altar para la iglesia de San Nicolás de Tolentino);
pinturas como, Los desposorios de la Virgen, La Escuela de Atenas, La
resurrección de Cristo , Sagrada Familia con la Virgen del Velo y La coronación
de la Virgen; tapices con escenas de la vida de San Pedro.
Análisis de sus obras
Obra:
La Escuela de Atenas 1509 d.c.
Análisis simbólico
Plantea
una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el
saber humano como complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos
de las Estancias está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad,
Belleza, Bien; en la Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la
que es exaltada, en la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la
especulación filosófica.
Expresa
también en esta obra la concepción propiamente renacentista de la obra
artística entendida como discurso mental, no sólo traducido de forma visible,
sino también como búsqueda de la "idea". Se ha querido ver en esta
pintura una representación de las siete artes liberales. En el primer plano, a
la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y
Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva
una continuidad entre el conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como
protagonista al hombre.
Análisis de Composición
Platón
y Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la
composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco. A la
izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado. La configuración de
la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas
Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la
antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de
continuidad entre el presente y el mundo antiguo.
Fresco, 770 cm
-
Stanza della Segnatura, Palacio Pontificio, Vaticano
Obra:
Madonna de Belvedere (Madonna del Prato) 1506 d.c.
Análisis simbólico
Interpreta
de la belleza femenina a través de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el
encanto poético, sobre todo en sus obras de juventud.
Análisis de Composición
Su paleta cromática es luminosa
y colorista, pero mesurada, buscando siempre la complementariedad de los colores cálidos y fríos. Óleo
sobre madera
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena
Tiziano
Vecellio (Italia, 1490-Venecia, 1576)
.jpg)
Pintor
italiano, recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del
que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La
concepción poética de la pintura En la obra Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya
como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural
en la plasmación del paisaje, no tardó en convertirse en el artista más
importante de Venecia.
Aunque sus
obras son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte más
brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y
contrastados y figuras poderosas, son obras de composición enérgica que
muestran una gran vitalidad, se reveló también como un gran retratista. Su
estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas,
y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados.
Realizó un viaje a Roma, e hizo un nuevo tratamiento del color a base de
pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y
dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran
trabajo subyacente. Realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados
por el propio pintor (poesías) por su carácter idílico y distante.
Autor: Tiziano
Vecellio
Título: Amor sagrado y Amor profano
Año: 1514
Técnica: Óleo sobre lienzo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones:
118 x 278 cm
Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese
Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese
Es un desnudo femenino, manifestación
natural en la plasmación del paisaje. La mujer
sentada lleva, de hecho, todos los ornamentos de una novia: el vestido blanco,
los guantes, el cinturón, y la corona de mirto, símbolo del amor conyugal. La
palangana en el borde de la fuente, parte integrante del ajuar porque se
utiliza después del parto y la pareja de conejos en el fondo representan, sin
embargo, el deseo de una unión fructífera. Inspirado en los ideales de la
doctrina neoplatónica, una de las principales interpretaciones identifica a la
mujer con el brasero en la mano con la Venus Celeste, imagen de la belleza
universal y espiritual y a la mujer vestida ricamente con la Venus Vulgar,
símbolo del poder generador y terreno de la naturaleza. Cupido, sorprendido en
el acto de verter el agua, representaría, por lo tanto, el amor como un
intermediario entre el cielo y la tierra. Revela una lectura en clave moralista
de la desnudez de la mujer a la izquierda que debe interpretarse, en cambio, en
el sentido clásico, como un canon de sencillez y pureza.
Autor: Tiziano
Vecellio
Título: Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito
Año:
1538
Técnica:
Óleo sobre lienzo
Dimensiones:
119 cm x 165 cm
Procedencia: Galleria degli Uffizi (Florencia).
.jpg)
Representa
a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete
veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves
reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de la
ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando
ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja
de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la
presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe
exactamente quién es, el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí
aparece, sugerentemente, dormido.
Aunque
esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del
Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo
característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las
Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su
belleza y su desnudez, ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que
la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en
el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el
aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al
cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual
indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón, en
efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada
que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la
perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas
figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de
realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y
los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas.
Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una
elegante línea oblicua.
Jacopo Robusti il Tintoretto
Nació el 29 de
septiembre de 1518 en Venecia. Tomó el sobrenombre de la
profesión de su padre que era tintador.
Considerado, junto a Veronés, el representante más importante de la Escuela Veneciana de
la generación posterior a Tiziano.
Estudió durante
diez días con Tiziano. Vivió y trabajó siempre en Venecia, dedicando su obra a
las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad. Recibió influencias de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone. Autor del San Marcos (1548, Academia, Venecia) para la
Scuola di San Marco en Venecia.
Tuvo muchos
aprendices entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas aportaciones son a
menudo muy difíciles de distinguir de sus propias obras. Trabajó los contrastes
de luz y sombra, las perspectivas, escorzos forzados y grupos escenográficos.
Casado con Faustina Episcopi desde
1550, su vida se desarrolló entre su casa y su estudio, ambos en el mismo
edificio, la Fondamenta
dei Mori.
Tintoretto
falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.
El
lavatorio de pies es una obra que representa en el lado derecho de la pintura,
mientras que parecería más lógico que ocupara el espacio predominante en el
mismo centro de la tela. La profundidad a las dos dimensiones del cuadro, al
fondo vemos un gran arco que se abre a un estanque, que a su vez se cierra con
un nuevo arco en la perspectiva más lejana, y se rodea todo ese espacio
exterior de arquitectura.
La
última cena (1594) es una obra, la mesa se dispone en una
fuerte diagonal con los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran
parte del espacio, En contraposición ciertas zonas en la profundidad del cuadro
presentan un aspecto inacabado.
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