ALBERTO
DURERO
Albrecht
Durer; Nuremberg, actual Alemania, 1471-1528. Pintor y grabador alemán. Fue sin
duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde
ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo
renacentista a través de sus grabados.
Se formó en una escuela latina y recibió
conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre y de
Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. Al concluir sus
estudios realizó un viaje a diversas ciudades de Alemania y Venecia 1494,
ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507, en la cual recibiría influencia
de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del
humanismo. Previamente había contraído matrimonio, abrió un taller en su ciudad
natal de pintura y grabado.
Después
de su estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones, en las
que incorporó la riqueza del colorismo veneciano, tal era su fama que fue
nombrado pintor de corte del emperador Maximilano I 1512, también Carlos I lo
reclamó. Alberto Durero le gustó retratarse a sí mismo desde la temprana edad
de trece años. Durante los últimos años de su vida, Durero reflejó los
numerosos estudios sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura
humana.
Es
una pintura realizada por el artista Alberto Durero, están pintadas a óleo
sobre tabla. Datan del año 1507, ambas miden 209 cm de alto, una mide 80 cm y
el otro 81 cm, se atribuye una influencia gótica e incluso un poco de
manierismo.
Se
representa en dos tablas independientes, en la que Adán se representa en un
fondo oscuro, de manera que se centre la figura humana masculina que está de
pie. Eva se presenta en una postura distinta, se presente de frente adelantando
la pierna derecha, el rostro de Eva es más claro que el de Adán y aún desprende inocencia.
Autorretrato
de Alberto Durero
Autorretrato realizado en 1500, elaborado con óleo sobre panel de madera. Sus dimensiones son 67 cm de largo y 49 cm de ancho se lo conoce también como Autorretrato con traje de piel, se representa sosteniendo una flor en su mano derecha.
El
fondo oscuro da un efecto de silencio, el rostro de Durero sobresale
dramáticamente, la luz que posee es poca pero llega del lado izquierdo del
cuadro y es el único espacio que alumbra la escena. A este cuadro se otorga
realismo y detallismo, a la vez que no es simétrico esto se sabe gracias a la
luz que solo llega a un lado.
GRUNEWALD
MATIAS
Pintor
e ingeniero hidráulico alemán, nace en Wurzbugo, actual Alemania en el año de
1470, y muere el 31 de agosto de 1528 en Halle. Su nombre originalmente fue Matthias Grunewald, sin embargo un
escritor del siglo XVII, Joachim Von Sandrart, lo identificó erróneamente con
el apellido Grunewald, su nombre no fue descubierto hasta los años 1920. Su
fecha de nacimiento no está clarificada, pero se cree que sería hacia finales
del siglo XV, ya que su primera obra fechada es de 1503. Pintó principalmente
obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión, las cuales eran
sombrías y llenas de color. Sus pinturas son conocidas por sus formas
dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz, así también como su
intensidad cromática y la agitación de la línea.
Obra:
Trias Romana
Época:
Renacimiento
Dimensiones:
19.9cm x 27.2cm.
Técnica:
Tiza sobre papel.
Análisis:
Se
trata de una obra de la época del renacimiento, la cual presenta una
composición cerrada, con cierta centralidad ya que se trata de tres cabezas que
parecen descansar sobre un solo cuello, sobre un solo punto de donde estas
crecen. Nos encontramos también con una pintura lineal, la primera cabeza está
representada como solían aparecer los sacerdotes en las caricaturas de la
época. La verruga que aparece en la nariz parece referirse a la sífilis,
enfermedad que por entonces hacía muchos estragos. La cabeza menos clara
representa una cierta esperanza, esperanza de salvación.
Obra:
Escarnio de Cristo
Época:
Renacimiento
Dimensiones:
109cm x 73.5cm.
Técnica:
Pintura a temple y óleo.
Análisis:
Se
trata de una pintura de la época del renacimiento. Es una pintura con una
composición central, la cual utiliza una cromática vivaz, con colores vívidos.
Utiliza escenas religiosas, las cuales están representadas por una pintura
lineal, utilizando de cierta forma la perspectiva. En la pintura se representa
a Jesús de Nazaret, el cual está con los ojos vendados y brazos atados. Recibe
indefenso los golpes otorgados por unos siervos.
CRANACH LUCAS
(Lucas Müller; Cranach, hoy Kronach, actual
Alemania, 1472-Weimar, id., 1553) Pintor renacentista alemán. Las primeras
obras conservadas de este artista datan de 1502 y coinciden con su estancia en
Viena, donde cambió su nombre por el de su ciudad natal. De aquella época datan
varios cuadros suyos de asunto religioso, de expresividad muy acentuada: las
dos Crucifixiones, la de 1500 y la de 1503. La tabla Alto
en la huida a Egipto(1504) destaca, en cambio, por su amplia concepción
idílica. En 1505, llamado por el elector Federico el Sabio de Sajonia, se
trasladó a Wittenberg, ciudad en la que permaneció hasta 1550 como pintor de la
corte, y en donde destacó, además, como ciudadano, llegando a ocupar diversos
cargos. Se convirtió asimismo en el representante artístico de la causa
protestante con su serie de retratos de Martín Lutero y su círculo, aunque el
retrato del arzobispo de Maguncia, Alberto de precisamente son los retratos lo
que más caracteriza la obra de Cranach, como el del Duque Enrique el Piadoso y
su esposa Catalina y el Autorretrato que se encuentra en los Uffizi. Entre
otras obras de esta época son de destacar El martirio de Santa Catalina, El
juicio de Paris, Cacería en
Torgau y sus versiones de Adán
y Eva. Brandeburgo, demuestra que no había roto con las destacadas
figuras del catolicismo.
Venus-und-Amor
Gerechtigkeit
BALDUNG
GRIEN
ü BIOGRAFÍA
Pintor
y dibujante renacentista nacido en Alemania 1484 y fallece en Estrasburgo en
1545. Se formó en Alsacia bajo la influencia de Schongauer. Hacia 1502 se
traslada a Nuremberg, y comienza a trabajar como aprendiz en el taller de
Alberto Durero. Su estilo es realista, aunque enormemente imaginativo y
personal. Muestra una marcada propensión a utilizar el color verde y muchas de
sus escenas de tema religioso están impregnadas de una luminosidad misteriosa y
sobrenatural. Hizo muchos dibujos, xilografías, aguafuertes, grabados. Son
numerosos sus bocetos para vidrieras, algunas de las cuales fueron ejecutadas
bajo su dirección para la catedral de Friburgo.
ü OBRAS
Pintura:
Las tres gracias
Análisis
Simbólico: Se presentan dos jóvenes semidesnudas en pie, con los atributos de
los sentidos y el conocimiento: la música y los libros. Tres niños desnudos
llevan un cisne y una partitura, como si fueran geniecillos del amor. Por
último, el símbolo del pecado, la serpiente, se enrosca a su lado en el tronco
de un árbol. Al reverso, una inscripción reza en latín la dedicatoria del
cliente al amigo que lo ha de recibir como regalo.
Análisis
de composición: Se aplica la técnica de oleo sobre tabla. El formato se
encuentra vertical, donde la tensión de la vista se centra en la parte
superior, cuyas formas son delimitadas por lo tanto son cerradas, el esquema
compositivo es un triángulo con equilibrio compositivo de peso por tamaño.
Tiene simetría axial. En los planos se ve Dos jóvenes semidesnudas sostienen un
libro, en el que lee una de ellas. Una tercera joven a la derecha, sostiene un
laúd en la mano y tiene una viola a sus pies. Completan la escena tres niños
desnudos, el de primer término con un cisne y un papel de música. Una serpiente
enroscada al árbol del fondo completa esta representación alegórica, de
complicada lectura, alusiva a los placeres de la vida: belleza, música, libros.
Su interpretación se esclarece a la vista de su compañera. Se utiliza colores
cálidos y aplica la luz con colores claros.
Pintura:
Las edades y la muerte
Análisis
Simbólico: De simbología acorde con la religiosidad del monarca, la tabla nos
muestra a las tres edades del hombre la infancia, juventud y madurez, que no
pueden escapar de su destino inexorable. Como en un macabro paso de baile, dos
figuras femeninas, de canon estilizado, giran sus cabezas y cuerpos dando la
espalda a la Muerte; pero enlazadas por los movimientos de sus brazos, no
pueden evitar ser arrastradas hacia sí por este último personaje, quien sujeta
entre sus manos un reloj de arena y la lanza quebrada de la vida. A sus pies,
un niño pequeño duerme plácidamente, ajeno todavía a su sino.
Análisis
de composición: Formato ubicado verticalmente. La tensión visual se encuentra
desde el centro. Tiene formas definidas por lo tanto son cerradas, con
perspectiva. El esquema compositivo es el triangulo con equilibrio de peso por
tamaño. Con simetrías acial. Las figuras se encuentran en primer y segundo
plano. Los colores utilizados son cálidos
HOLBEIN HANS
Biografía
Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, Alemania en época de Imperios 1497 –
murió en Londres, entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543) fue
un artista e impresor alemán que se enmarca en el estilo
llamado Renacimiento nórdico. Es
conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del siglo
XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e
hizo una significativa contribución a la historia del diseño de libro. Diseñó xilografías, vidrieras y piezas de joyería. Se le llama
"el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un
dotado pintor de la escuela gótica tardía.
Hans Holbein fue el más cosmopolita de los pintores
renacentistas alemanes.
Aprendió pintura en Baviera trabajando en el taller de su
padre, convirtiéndose en el retratista más importante de Alemania. La Reforma
de Lutero empujó a Holbein a emigrar a Londres en 1526. Una carta de
recomendación de Erasmo de Rotterdam le abrió las puertas de la corte de
Inglaterra, donde trabajó como retratista.
Los retratos de Holbein se caracterizan por su realismo
en los detalles, su excelente penetración psicológica y el dominio del color.
Por todo es considerado el mejor retratista alemán de todos los tiempos
OBRAS
LOS EMBAJADORES
Los embajadores —el cuadro se llama en realidad Jean de
Dinteville y Georges de Selve— es una pintura de Hans Holbein el Joven,
actualmente en la National Gallery de Londres. Es
una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general.
Triplemente importante por sus resonancias históricas,
por su riqueza simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto
en primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo.
Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis Baltrusaitis,
descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es lo que se
llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una anamorfosis de un cráneo humano: esta
pintura es una vanidad.
EL CRISTO MUERTO
AUTOR: Hans Holbein, el Joven (1497/98 – 1543)
TÍTULO: El cuerpo de Cristo muerto en la tumba
MEDIDAS: 30,5 X 200 cm
TÉCNICA: Óleo sobre tabla
FECHA: 1521
UBICACIÓN: Museo de Bellas Artes de Basilea.
Es una representación de un hombre realmente muerto, del
Cristo abandonado por el padre y sin promesa de la resurrección. Julia
Kristeva, Fragmentos para una historia del cuerpo humano.
Un peculiaridad dentro de esta obra es la mano derecha de
Cristo, es una mano en tensión con fuerza que toca literalmente la sábana como
indicando algo. La mano parece tener vida.
PIETER
BRUEGHEL
Biografía
Pieter Brueghel nació en el año de 1525 en Brenda,
Países Bajos y murió el 9 de
septiembre de 1569, Región de Bruselas-Capital, Bélgica.
Llamado “El Viejo” fue un pintor y grabador brabanzón.
Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es
considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más importante
pintor holandés de ese siglo; está
considerado como una de las cuatro grandes figuras de la pintura flamenca. Fue aprendiz de Pieter Coecke van Aelst,
artista cultivado, decano del gremio de artistas, a la vez pintor y arquitecto
y con cuya hija Mayke terminó casándose. Prácticamente desconocido en su etapa
de formación. Entre 1551 y 1553 viajó por Francia e Italia. En Roma pudo trabajar con el miniaturista Giulio Clovio. Permaneció una temporada en el taller de un maestro siciliano. Algunos de los cuadros que ilustran este viaje son Combate
en el puerto de Nápoles, la escena de La caída de Ícaro y El suicidio de Saúl, así como algunos
dibujos. Entre 1555 y 1563 se estableció en Amberes, donde trabajó para el editor Hieronymus Cock, haciendo
dibujos preliminares para una serie de grabados. En 1564 nació el primogénito de sus hijos, Pieter Brueghel el Joven.
Obras
PAISAJE CON LA CAIDA DE ÍCARO
-
1554
- 1555
-
Pintura
al óleo sobre lienzo
-
Mide 73.5 × 112
-
Uso
de la Perspectiva
-
Uso
de la difuminación en el color
EL COMBATE ENTRE DON CARNAVALL Y DOÑA CUARESMA
-
1559
-
Pintura
al óleo sobre Tabla
-
Mide 118 cm × 164 cm
-
Uso
de la Perspectiva
-
Realista
y Natural
-
Uso
de pinceladas particulares que ensalzan
la diagonal
.jpg)
.jpg)
