ARTISTAS RENACENTISTAS





LEONARDO DA VINCI

Nombre completo:

Leonardo di ser Piero da Vinci.

Nacionalidad:

Florentino, italiano.

Disciplinas:

Pintura, escultura, arquitectura, dibujo.

Movimiento, Escuela:

Renacimiento.

Nació en el año de 1542 en Vinci, destacado pintor escultor científico y arquitecto, genero muchos comentarios y mitos acerca de su vida personal, Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva.

A los 14 años ingresa como aprendiz en el taller de Andrea de Verrocchio, pintor florentino al que debe parte de su formación multidisciplinaria técnicas de dibujo, grabado, pintura, escultura, bases de química, metalurgia y el trabajo del cuero y del yeso.

En 1482 marcha por petición de Lorenzo de Médici a Milán para ganarse los favores de su rival Ludovico Sforza hasta el año 1499 cuando el Ducado es conquistado por Luis XIII de Francia. Aunque su principal ocupación es la de ingeniero, durante ese periodo pinta sus primeros encargos de importancia como La Virgen de las rocas(1483-86) y el mural de La última cena (1495-97). 

En 1513 Leonardo da Vinci va a Roma a trabajar para el Papa León X,

En 1515 Francisco I de Francia reconquista Milán quien se convierte en su mecenas y protector valorando sobretodo su función como pintor. En 1516 tarde le es cedido el Castillo de Clos-Lucé en Francia donde muere 4 años más tarde.

OBRAS DESCATADAS:

LA GIOCONDA

Leonardo da Vinci, se caracterizaba por varias técnicas y temas que el aplicaba al pintar. En este se puede observar que es un retrato y que muy bien lo mezcla con la naturaleza, ya que el le interesaba mucho la naturaleza.Usa la precisión en la representación del cuerpo humano. Juega con el uso de luces y sombras y la reproducción de emociones a través de expresiones gestuales. Básicamente se basa en la descripción detallada.

EL HOMBRE VITRUVIO
En esta obra nos muestra otra de las técnicas que él usaba que era los bocetos, pero en ella se muestra el estudio que el toda su vida dedicó que era la anatomía, la proporción del cuerpo en las diferentes posiciones. La obra te transmite como que es un tanto perfeccionista y exacto en sus trazos y en la excelente medida que nos transmite al dibujar la figura humana.

MIGUEL ÁNGEL

Michelangelo Buonarroti nace en Caprese en 1475 y muere en Roma, en 1564, Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta, cuya concepción del artista es ser excepcional, gracias a esto logro dominar el panorama creativo del siglo XVI

Miguel Ángel es uno de los grandes artistas de la historia del arte. Arquitecto de la reforma de la Básilica de San Pedro, pintor de los frescos del techo de la Capilla Sixtina y, sobretodo, escultor de obras tan importantes y celebradas como su David, Moisés o la Piedad del Vaticano.

Lo más insólito y sorprendente es que su virtuosismo e interés por la anatomía artística brilla por su ausencia en sus desnudos femeninos. 

Hay cuatro teorías recurrentes que intentan explicar por qué Miguel Ángel puso tan poco mimo y esmero aparente en la representación del cuerpo femenino.

Inaccesibilidad al estudio de la anatomía femenina. 

 Homosexualidad. Pese a lo extendido de la creencia de que Miguel Ángel era homosexual, no existen pruebas concluyentes que vayan más allá de su amor platónico por la belleza masculina.

Canon de belleza andrógino. Miguel Ángel no es el único artista del Renacimiento que pinta mujeres masculinas y con frecuencia otros artistas representaron también hombres femeninos. 

Idealización no realista de la naturaleza. La representación idealizada da libertad al artista para manipular las figuras y distanciarse de la copia naturalista en busca de una belleza idealizada e irreal. 

LA CREACIÓN DE ADAM

Del lado izquierdo de la obra aparece Adán estirando su brazo para tocar el dedo de otro personaje, que se encuentra flotando en el cielo junto con unos ángeles. La figura de la izquierda se encuentra dentro de un plano de encierro en forma de triangulo rectángulo y los demás del lado derecho en la parte superior de la obra se encuentran dentro de un rombo. Los colores son más vivos a diferencia del manierismo. Paleta de cálidos y fríos que avanzan y retroceden, generan profundidad. Los personajes son más musculosos, atléticos y de estaturas normales, estos son más angelicales, a diferencia de los personajes alargados del manierismo. 
La temática acá parece ser más religiosa, y en un lugar más iluminado. 

JUICIO FINAL

La zona superior de la composición, más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial presidido por Cristo como juez en el centro de la escena, inicialmente desnudo y en una postura escorzada, levantando el brazo derecho en señal de impartir justicia y cierto temor a los resucitados. A su lado, la Virgen María, rodeadas ambas figuras por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular. A ambos lados de este grupo central diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y Confesores de la Iglesia forman una segunda corona. En los lunetos superiores aparecen dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciendo las más variadas posturas y reforzando la sensación general de movimiento. Las figuras se retuercen sobre sí mismas, en acentuados escorzos que anticipan el Manierismo y el Barroco, creándose una increíble sensación de movimiento unificado a pesar de la ausencia de perspectiva tradicional y disponiendo las figuras en diferentes planos pero sin crear el efecto de fuga. De esta manera se refuerza la tensión y el dramatismo del momento pintado por el maestro, que crea una especie de remolino intenso que provoca cierta inestabilidad irreal. La anatomía escultórica, destacando sus amplias y musculosas anatomías inspiradas en el mundo clásico. El colorido brillante sintoniza con la bóveda a pesar de que abundan las carnaciones de los cuerpos desnudos que permiten contemplar sus músculos en tensión, sin olvidar hacer alusión a la expresividad de los rostros recogiendo en sus gestos el destino que les ha tocado tras el último Juicio.

 RAFAEL SANZIO

Raffaello Santi o Sanzio, Pintor y arquitecto italiano. 

Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino. 

Los inicios en su formación fueron junto a su padre, el pintor Giovanni Santi. Rafael, apellidado el divino adolescente  

En 1504 llega a Florencia, donde estudia a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fray Bartolommeo, apreciando sus estudios anatómicos y poses dramáticas. Se produce un cambio de estilo tomando la perspectiva de forma más natural y suave.   

En 1508 se trasladó a Roma, requerido por el papa Julio II, quien le encarga la decoración mural de cuatro pequeñas stanze en el Palacio del Vaticano.   

Rafael falleció en Roma el 6 de abril de 1520. 

Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio, Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.

ENTIERRO DE CRISTO

El centro de este gran lienzo lo ocupa el cuerpo desnudo de Cristo muerto que se presenta totalmente humanizado y, es a la vez la fuente de luz del mismo, como si toda su carne fuese un foco permanente, acompañado también por la luminosidad de la tela blanca que lo sostiene. El realismo del cuerpo es total, destacando el verismo de la carne blanda, del brazo caído en total abandono, la llaga del costado bastante cerrada y que ya no sangra, las huellas de los clavos de los pies y manos poco marcadas. El pintor refleja su maestría en el perfecto estudio de la anatomía humana a través de este desnudo.Se trata de una obra plenamente tenebrista, en la que se prescinde del marco arquitectónico o paisajístico, siendo el fondo un lugar neutro, oscuro sobre el que se recortan las figuras de la escena, que es el único foco de interés del pintor.

ESCUELA DE ATENAS

La composición, aparece dispuesta ordenada y simétricamente, realzando el saber humano y racional, motivo por el que el paisaje es substituido por una sólida y creativa obra del racionalismo humano, una arquitectura que refleja la grandeza del hombre, digno “Hijo de Dios” y en perfecta consonancia con el humanismo renacentista. Pese a ser un elogio de la razón, en las figuras no hay paz, ya que éstas se vuelven preguntando, indagando, buscando en todos los sentidos, puesto que se trata de la incesante búsqueda de la verdad y del progreso que han de guiar a los filósofos y sabio, siempre indagando, siempre descubriendo.

Tiziano Vecellio 

  Tiziano, cuyo nombre completo era Tiziano Vecellio, nació en Pieve di Cadore, al norte de Venecia, en 1477,  fue un pintor italiano del Renacimiento,

  uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. En Venecia, fue condiscípulo de Giorgione en el taller de los Bellini. Giovanni Bellini dejó una destacada impronta en su obra, Figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI y configurador de su tradición colorística y pictórica.

Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa.  Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras como el llamado Ariosto.

  En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental

VENUS DE URBINO

La Venus de Urbino se aleja del idealismo caracteristico del Renacimiento italiano, Tiziano representó Venus despierta, 

consciente de su belleza y de su desnudez, nada en ella evoca el lado "divino" de la diosa. 

El cuadro está dividido en tres partes:

- En el primer plano está representada Venus.

- En el segundo estan las criadas.

- Al fondo la ventana abierta hacia el exterior.

La pintura es decorativa se puede contemplar en los detalles del decorado, el erotismo está muy presente, utilizan los colores para crear contrastes iluminando a los personajes importantes como en este caso la Venus.

 

Tiziano realiza uno retrato uno de las obras retratistas mas significantes. El personaje se sitúa en primerísimo plano y crea el efecto de salir del lienzo al apoyar su brazo en una barandilla de madera. La figura se recorta sobre un fondo neutro, recibe un potente foco de luz que acentúa la expresión del modelo, verdadera protagonista del lienzo. Su mirada penetrante y el gesto de la boca demuestran en esos primeros años la capacidad del maestro como retratista, que pondrá de manifiesto durante su larga carrera. La inclinación de la cabeza, la postura del brazo o la mirada son gestos tomados de la pintura religiosa.

 ARIOSTO.

Donato di Niccolò di Betto Bardi

  Nació en 1386 en Florencia. 

En su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas de este periodo las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia) y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. 

Hacia 1443, trasladó su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi . Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista. 

Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción.

  Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.

DAVID

Donatello busca la Belleza como fin supremo, intentando idealizar y conteniendo sentimientos y movimiento. Es la representación de un mundo perfecto que busca la armonía a través del canon perfecto y la postura relajada. Donatello busca que la luz resbale sobre el bronce pulido, buscando una mayor suavidad y elegancia

 MADONNA PAZZI

Tallado en Marmol. Se puede comprobar en este relieve su gusto por el estilo del relieve ático. Fue realizada para ser colocada en un lugar alto, ya que la visión perfecta va de abajo a arriba. Interesante la dulzura de las expresiones, la cercanía madre e hijo que desbordan ternura.

MOSACCIO

  El primer gran pintor del renacimiento italiano. Masaccio, cuyo verdadero nombre era Tommaso Cassai, nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos. Masaccio estará más influido por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con los que 

  comparte una visión artística renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática. De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. La obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.

 ADORACIÓN DE MAGOS

   Material: Témpera sobre madera. Estilo: Renacimiento Italiano. 

   Se trata de una de las composiciones más atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se incluyen, el recurso del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde encontramos a la Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán a autores de posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla Francesca. Sus figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran, distribuyéndose por el espacio de manera acertada para crear el efecto de perspectiva. La luz resbala por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los vestidos, reforzando el incipiente naturalismo que encontramos en la imagen. Las dos figuras embozadas que forman parte del cortejo podrían tratarse de retratos por su individualización aunque no están identificados

BAUTISMO A LOS NEÓFITOS

  Material: Fresco.Estilo: Renacimiento Italiano. Está inspirada en los Hechos de 

  los Apóstoles y narra la conversión al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones, eligiendo el momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio unos 3.000. La escena se 

  desarrolla ante un fondo de paisaje; san Pedro ocupa la zona izquierda de la composición mientras que un joven desnudo se arrodilla en el río para recibir el agua del bautismo; tras él se ubica otro neófito desnudo que se cubre con los brazos para sofocar el frío siendo una de las mejores figuras salidas de los pinceles de Masaccio al transmitir la sensación casi de temblor de manera soberbia. Las figuras se integran en el espacio con absoluta perfección, creando incluso un efecto de atmósfera al desdibujar los contornos de los hombres del fondo. La iluminación empleada resalta el colorido y la volumetría de los personajes, interesándose el maestro por la anatomía clásica, como vemos en los desnudos. 

Tintoretto

  Tintoretto, de nombre verdadero Jacopo Comin nace en Venecia, en 1518 y muere en Venecia, en 1594, fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa. Su verdadero apellido, Comin ha sido descubierto recientemente por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del Prado, Madrid, y se ha hecho público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en el Prado.

 HUIDA A EGIPTO

En la obra no priman los paisajes, 

a excepción de esta tela en la que las santas figuras ocupan una pequeña superficie del lienzo para dejar paso a un magnífico estudio de la naturaleza. Así, 

en primer plano contemplamos a san José llevando de un cordel al asno en el que se sube la Virgen y el Niño, preparándose para hacer un alto en el camino. La iluminación aporta la unidad al conjunto y resalta las diferentes tonalidades, especialmente el rojo del manto de san José y de la túnica de la Virgen. También destaca el azul del cielo, salpicado de nubes anaranjadas, y la reverberación lumínica en el agua del río.

CRUSIFIXION

El centro de la escena está ocupado por el Cristo crucificado, recortado ante un plomizo cielo que augura tormenta. Bajo el Salvador encontramos un abigarrado grupo de dolientes presidido por las santas mujeres, como si de la base de la cruz se tratara, destacando entre ellos el perfil de san Juan y de la Magdalena. De la figura de Cristo parecen partir líneas radiales a través de las que se organiza la composición, distribuyéndose en ellas las figuras, creando una estructura muy organizada a pesar del aparente desorden. Gracias al claroscuro empleado, los grupos de soldados y de crucificados adquieren mayor volumetría y los colores se hacen más brillantes, predominando los rojos. 

Sandro Botticelli

  Alessandro di Mariano Vanni Filipepi Botticelli 

  es mejor conocido como Sandro Botticelli, que significa "pequeño barril de vino ', un apodo tomado de la de su hermano mayor.  En 1470 Botticelli también ejecutó su primer cuadro fechado con seguridad, llamado Fortaleza y completado la serie de los Siete Virtudes. A la edad de 15 Botticelli ya tenía su propio taller

   y esto ayudó a formar su estilo artístico distintivo. Este estilo incorpora neoplatonismo, un método que lo ayudó a atraer a muchos gustos incluyendo el cristianismo y el paganismo en sus obras.

  Botticelli durante sus años medios cuando él tenía contactos, el dinero y la fama como resultado del mecenazgo de la familia Medici. influencia del Medici aumentó considerablemente la notoriedad de Botticelli y durante su patrocinio se le preguntó por el Papado para viajar a Roma para pintar partes de la Capilla Sixtina. 

NACIMIENTO DE VENUS

Venus se ilustra como una diosa hermosa y casta y símbolo de la próxima primavera. Su representación como un desnudo es significativo en sí mismo, ya que durante este tiempo en la historia del Renacimiento casi todas las ilustraciones era de un tema cristiano, y mujeres desnudas fueron casi nunca retratado.  La pose de Venus de Botticelli es una reminiscencia de la Venus de Medici, una escultura de mármol. La Venus de Botticelli fue el primer lienzo de gran escala creado en la Florencia renacentista. Él preparó sus propios pigmentos al temple con muy poca grasa y los cubrió con una capa de clara de huevo pura en un proceso inusual para su tiempo. Su pintura se asemeja a un fresco en su frescura y luminosidad. Se conserva excepcionalmente bien y hoy en día la pintura se mantiene firme y elástica con muy pocas fisuras.  Las proporciones muestran su mayor exageración, sin embargo, el cuello largo y torrente de ayuda al cabello para crear la figura desconcertante

 VENUS Y MARTE 

Venus, la diosa del amor y la belleza, aparece vigilante mientras su amante, Marte, el dios de la guerra y símbolo del deseo violento, duerme. Tres traviesos sátiros juegan a su alrededor y ni así consiguen sacarle del profundo sueño. 

El tema de la tabla es el triunfo del amor sobre la guerra, consiguiendo Venus distraer a Marte de sus acciones bélicas, consiguiendo incluso que los sátiros utilicen sus armas como juguetes. Juega muchos con la luz y los claros en los colores, también pone en practica los primeros planos las principales figuras que son venus y marte.