Autores Renacimeinto Escultura

La Escultura Renacentista .

·         Las innovaciones escultóricas se gestan en la obra de Nicola Pisano en el siglo XIII.

·         En un principio, la escultura renacentista se desarrolla en relación con la arquitectura. Mas, la estatuaria no tarda en independizarse. Al igual que las demás artes, refleja el humanismo ambiente exaltando la belleza del cuerpo humano, utilizando los nuevos conocimientos anatómicos y los canones griegos.

·         El hombre es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo.

·         Además, la escultura se caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas, tanto en el bajo relieve como en la estatuaria.

·         El bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectónica. Su principal progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas por Lorenzo Ghiberti.

Donatello

(Desconocido - 1466/12/13)

Donato di Niccolò di Betto Bardi 

Escultor italiano 

Nació en 1386 en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi. 

En su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas de este periodo las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia) y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. 

Hacia 1443, trasladó su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto florentinoMichelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano). Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista.

Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia). 

Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466

Análisis de la escultura David de Donatello. 1440.

Esta obra fue realizada en bronce fundido y pulido. En principio la escultura se colocó en el patio del palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue expulsado de la ciudad la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio, sede de la señoría de la república. Actualmente se halla localizada en el museo del Bargello de Florencia.

La textura de su superficie es lisa y pulida, pues el artista parece imitar el aspecto de la piel humana, intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo cual además proporciona una cierta sensación de blandura y tersura.

La escultura puede ser contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la frontalidad.

La pose de la figura nos remite hacia una composición reposada y serena, casi estática, mostrando una gran serenidad interior después de haber conseguido la victoria sobre su rival.

La composición es plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un David adolescente. El cuerpo de David aparece representado como si de un Dios olímpico se tratara. Un joven de anatomía blanda apenas desarrollada y que adopta la postura clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido Goliat cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su oponente.

Análisis de El Condottiero Gattamelata”

 (Bronce, 1447-1450, Plaza del Santo, Padua). Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la ejecución de las proporciones.

Se trata de un guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el animal, el caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como Il Verrochio.

El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.

ANDREA VERROCCIO

Biografía

Andrea di Michele di Francesco de Cioni nació en Florencia en 1435 y falleció en Venecia en 1488, conocido simplemente como Verrocchio; hijo de Michele di Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y tejas y, más tarde, como recaudador de impuestos. Fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino. 

Obras

EL BAUTISMO DE CRISTO

-          1475 - 1478

-          Pintura al óleo sobre Tabla

-           Mide  177 cm × 171 cm

-          Realista y Natural

-          Utiliza la triangulación

-          Se atribuyen algunas partes a Leonardo Da Vinci (Alumno de Verrocchio)

VIRGEN CON LOS SANTOS JUAN BAUTISTA Y DONATO

-          1475 - 1483

-          Pintura al óleo sobre Tabla

-           Mide  189 cm × 191 cm

-          Realista y Natural

-          Utiliza la triangulación

Luca della Robbia

Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.

Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.

“Madonna con el Niño”

 (Terracota esmaltada, 1445-1450, Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Muestra las dos figuras dentro de un nicho enmarcadas por un arco de medio punto. El niño se muestra sosteniéndose sobre uno de sus pies con gesto cariñoso mientras su madre le sostiene evitando así que caiga. Esta Madonna influirá mucho en las pinturas que se realicen con el mismo tema en época contemporánea y posteriormente, entre otros autores Fra Filippo Lippi seguirá este modelo para sus pinturas.

 

“La Visitación”

 (Terracota esmaltada, 1445, San Giovanni Fuorcivitas, Pistoia). Escultura de tamaño natural que se encuentra en uno de los nichos de esta Iglesia de Pistoia. Para muchos estudiosos es obra de su sobrino Andrea, en cualquier caso parece una colaboración entre tío y sobrino con clara influencia de Il Verrochio.

GIOVANNI BELLINI

Pintor italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.

También llamado Giambellino, nació en el seno de una familia de pintores; su padre, Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da Fabriano, desempeñó un importante papel como introductor de la estética renacentista en Venecia. Su hermano Gentile fue un importante retratista que colaboró con él en la decoración del palacio ducal e incluso viajó a Constantinopla a retratar a su sultán.

Las primeras obras de Bellini, realizadas con la técnica del temple, salieron del taller paterno, lugar de aprendizaje, trabajo y formación hasta que marchó a Padua, hacia 1460. Allí conoció al pintor Andrea Mantegna, su futuro cuñado, de quien aprendió a dominar el dibujo, como puede verse en ”Oración del huerto de los olivos”, y a quien a su vez enseñó la luz de la escuela veneciana. Bellini era por entonces un gran paisajista, virtud que transmitió años después a los discípulos de su taller. 

MADONNA DE LA PRADERA

La Madonna de la pradera' muestra a Jesús durmiendo en las piernas de la Virgen. Es una pose natural, sin embargo, se anticipa a la Piedad, en la que su cuerpo muerto se sentó en el regazo de su madre. El paisaje muestra las tierras de cultivo y colinas fortificadas de las provincias de la parte continental de Venecia. A la izquierda de la Virgen a un pájaro que vadea, posiblemente una grúa, ataca una serpiente. Esto puede tener como objetivo simbolizar la lucha del bien y del mal. El buitre en el árbol puede ser un símbolo de la muerte. La pintura ha sido trasladada desde el panel de lienzo y está dañado en algunos lugares.

LA SANGRE DEL REDENTOR

En esta obra de Bellini, Cristo se muestra como el Redentor. El Panel puede haber servido como la puerta de un sagrario, en la que el vino y el pan de la misa se ​​mantuvieron. Cristo se muestra después de la crucifixión, como el Hombre de los Dolores, cuya sangre salva al mundo del pecado. Él lleva a cabo su cruz, con la corona de espinas. Un ángel le llama la sangre en un cáliz, como las que se usan en la Misa. El parapeto relieves que ilustran antiguos rituales paganos y puede tener un significado para el significado de la pintura, pero ninguna teoría convincente sobre esto todavía no se ha avanzado. Antes de limpiar, en 1978 hubo un suelo de baldosas ininterrumpida, incluyendo un poco de aceite-pintura sobre originales de Bellini temple de huevo. Limpieza eliminado estas adiciones. Los parches desnudos de yeso, o de tierra, fueron pintados originalmente como nubes con ángeles rojos y azules con mucho oro. No sabemos por qué o cuando se retiraron los ángeles, pero sin duda se hizo después de Bellini terminó la obra.

Giorgione (1477-1510)

Biografía

Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477 Venecia, 1510), pintor italiano, representante destacado de la escuela veneciana.

Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi, en colaboración con Tiziano. Se le considera el inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del estado de ánimo del artista.

Obras

"La tempestad resume todas las claves del "giorgionismo". Es un cuadro del que se desprende una profunda sensación de misterio. En este cuadro todo parece casual los personajes no dominan, ni por su escala ni por su posición, el paisaje, no gobiernan la estructura del cuadro; tampoco la naturaleza aparece sometida a una disposición rígida según las leyes de la perspectiva cuatrocentista. Por primera vez la naturaleza no es un telón de fondo y ni siquiera el campo de acción de la historia o del mito, sino que asume un nivel de protagonismo idéntico al de ellos. Y es que La tempestad tampoco es un paisaje con figuras. Es inquietante como relaciona los personajes con el paisaje de la naturaleza que se encuentra tormentoso, mientras los personajes se mantienen tranquilos sin preocuparse de la naturaleza como si nada pasara.

Venus dormida

Es la última obra que Giorgione pinto antes de fallecer, no fue terminado por él, pero en el cuadro podemos apreciar la técnica de paisajismo emocional que el creo, por la forma de las nubes y la forma en como oscuras el panorama de las casas, se puede ver una técnica delineada tanto en el paisaje como en la diosa acostada, nos deja apreciar la forma en la que descansa indiferente a lo que pase en la naturaleza, sin preocupación y separada de la pequeña aldea como símbolo de superioridad o indiferencia al pueblo, la forma en como utiliza los colores claros en la diosa como símbolo de divinidad y el rostro tranquilo descansa sobre su brazo, mientras su mano se encuentra en la ingle como demostrando un toque de pureza.

Correggio (Antonio Allegri) (1489-1534)

Biografía

Poco es lo que se conoce acerca de las circunstancias personales de Antonio Allegri.

Oriundo de la localidad de Correggio su sobrenombre deriva prácticamente de este hecho, nace a finales del s.XV las fechas están entre 1489 y 1493 ya que no se sabe exactamente su fecha de nacimiento, disfruto de una breve vida ya que murió en 1534

La obra más antigua documentada de Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de los franciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla es conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modelo iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de un esquema piramidal completamente clásico. La fama de Correggio se consolida a partir de la tercera década del s.XVI, recibiendo encargo por parte de grandes mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico II Gonzaga.

Obras

Adoración de los pastores

En esta obra de Correggio podemos apreciar una pintura un poco oscura que tiene un foco de luz en el niño Jesús que se encuentra en las manos de María creando así un efecto singular entre el contraste de luces y sombras. Los rostros alegres, sonrientes de los pastores, San José y María demuestran claramente el estilo carismático o dulce que tenía Correggio. Podemos apreciar que se rompe la simetría del renacimiento al desplazar la imagen del centro hacia la derecha y entrando a algo típico que se verá en el Manierismo.

 

Leda y el cisne

Forma parte de un conjunto de cuatro lienzos que el duque de Mantua, Federico Gonzaga encargó al pintor con una temática mitológica en el que el pintor Corregio narra la historia de Leda, la joven y bella esposa de Tindáreo a la que Zeus poseyó en el río Eurotas adoptando la forma de un hermoso cisne. Podemos apreciar que el artista ha optado por unificar diversas escenas de la historia en un mismo espacio, así establece en el centro la unión entre Leda y cisne. Podemos ver una sensualidad en la pintura propia de la época acompañada de moderación y elegancia. Podemos observar que la pintura está fuera del renacimiento ya que los personajes no se encuentran delineados y la pose de Leda. Observamos que al lado derecho también se encuentra Leda desnudándose, y al final rechazando con sus gestos al hermoso cisne.

Autores Renacentistas Pintura

PINTURA

La pintura posee varios tipos de composición, como por ejemplo geométrica. Las temáticas que se manejan en este periodo es el paisaje, el desnudo mitológico, el retrato y la religiosidad. Mientras en técnicas podemos ver que se hallan los frescos, talla en madera, Fundición en metal y en óleo. Las pinturas son realistas y maneja la perspectiva en ellas.

MOSACCIO

  El primer gran pintor del renacimiento italiano. Masaccio, cuyo verdadero nombre era Tommaso Cassai, nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos. Masaccio estará más influido por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con los que 

  comparte una visión artística renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática. De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. La obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.

 ADORACIÓN DE MAGOS

   Material: Témpera sobre madera. Estilo: Renacimiento Italiano. 

   Se trata de una de las composiciones más atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se incluyen, el recurso del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde encontramos a la Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán a autores de posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla Francesca. Sus figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran, distribuyéndose por el espacio de manera acertada para crear el efecto de perspectiva. La luz resbala por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los vestidos, reforzando el incipiente naturalismo que encontramos en la imagen. Las dos figuras embozadas que forman parte del cortejo podrían tratarse de retratos por su individualización aunque no están identificados

BAUTISMO A LOS NEÓFITOS

 

  Material: Fresco.Estilo: Renacimiento Italiano. Está inspirada en los Hechos de 

  los Apóstoles y narra la conversión al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones, eligiendo el momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio unos 3.000. La escena se 

  desarrolla ante un fondo de paisaje; san Pedro ocupa la zona izquierda de la composición mientras que un joven desnudo se arrodilla en el río para recibir el agua del bautismo; tras él se ubica otro neófito desnudo que se cubre con los brazos para sofocar el frío siendo una de las mejores figuras salidas de los pinceles de Masaccio al transmitir la sensación casi de temblor de manera soberbia. Las figuras se integran en el espacio con absoluta perfección, creando incluso un efecto de atmósfera al desdibujar los contornos de los hombres del fondo. La iluminación empleada resalta el colorido y la volumetría de los personajes, interesándose el maestro por la anatomía clásica, como vemos en los desnudos.

PAOLO UCCELLO

Pintor renacentista italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por sus innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Nació en Florencia y recibió su primera formación del artista florentino Lorenzo Ghiberti. En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de San Marcos. De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del condottiero inglés sir John Hawkwood para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de volumen y monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras para la catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su lugar originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro de Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones que realiza de la Batalla de San Romano (Uffizi, Florencia; Louvre, París; National Gallery, Londres), a fines de la década de 1440. En ellas destaca la figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro lado, éstas y otras obras como La cacería (1468, Ashmolean Museum, Oxford) reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo en sus composiciones.

BATALLLA DE SAN ROMANO

La utilización de un tema que en principio parece exigir una representación "naturalista", como pretexto para una investigación de índole casi abstracta sobre la naturaleza del espacio, le condujo a la configuración de un mundo forzosamente extraño por cuanto comportaba el desprecio de los datos sensibles. Lanzas, cascos, caballos y soldados se disponen sobre la superficie pictórica como datos previos de una ecuación matemática para cuya resolución se hiciera necesario reducir a términos fijos un determinado número de variables. Los caballos adquieren una dureza de cartón piedra, los contornos asumen una rigidez cortante y ello, junto a la esplendente policromía -aquí y allá de tonos planos y arbitrarios-, acaba por producir una atmósfera surreal. Quizá no ande desencaminada la idea de Heydenreich y el pintor intentara conseguir aquí un género nuevo de decoración mural inspirándose en los tapices o en los trabajos de taracea, pero en éstas más que en cualesquier otras obras, lo que se hace evidente es que Uccello se mueve en el campo de lo puramente mental y no en el de las sensaciones.

La luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto de lo que podríamos llamar luz escénica.

Los objetos aparecen aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen una función estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se desarrolla toda la trama perspectiva del escenario.

EL DILUVIO Y LA RETIRADA DE LAS AGUAS

Las dos escenas de la luneta parecen reagrupadas en una sola, con la perspectiva que se pierde a lo lejos, en las aguas turbulentas, pero cada una de ellas tiene un punto de fuga diferente, determinado por cada una de las dos caras opuestas del arco. Su rigor de construcción, su riqueza cromática, sus delicadas óptico-perspectivas, su amplitud, su audacia, diferencian claramente esta escena de las góticas “Escenas del Génesis” en el mismo claustro. Parece que se haya querido subrayar expresamente su individualidad dentro del interior del gran ciclo del cual sin embargo forma parte. Ello fue seguramente una elección deliberada de los comitentes, probablemente madurada después de una pausa en la ejecución de los frescos.

}

FRA ANGELICO

ü  BIOGRAFÍA

Fra Angelico nace e Roma en 1395 y muere el 18 de febrero de 1455. En sus pinturas se puede ver que se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza de los volúmenes. Fray Angélico utiliza colores decoristas y brillantes para representar muy bien los sentimientos espirituales.

La pintura del beato Angélico sorprende tanto por su calidad técnica como por la profunda devoción religiosa que inspira.

ü  OBRAS

Pintura: La anunciación

Análisis Simbólico: La pintura representa cuando el Ángel Gabriel anuncia la llegada de Jesús por medio de María, la virgen en primer plano y en segundo plano se ve a Adán y Eva. Un rayo de Luz simboliza el nuevo amanecer en la Historia de la Cristiandad.

Análisis de composición: La pintura tiene formato horizontal donde la línea visual parte desde la parte izquierda hacia la derecha. Las formas son definidas por lo que se puede afirmar que son cerradas. El esquema compositivo parece ser una L donde el equilibrio compositivo es de peso por tamaño, por el tamaño de la imagen de María y el Arcángel. En cuanto al criterio compositivo cumple la ley de la compensación de masas. Las figuras se encuentran en segundo y tercer plano. Utiliza colores claros en la parte derecha un con oscuros en la izquierda.

Pintura: La coronación de la virgen

Análisis Simbólico: El cuadro representa el momento en el cual María es coronada por ser símbolo de la virginidad, y los santos que se encuentran alrededor la admiran.

Análisis de composición: El formato se encuentra en vertical donde la tensión de la vista se centra en la parte superior, cuyas formas son delimitadas por lo tanto son cerradas, el esquema compositivo es un triángulo con equilibrio compositivo de peso por tamaño. Tiene simetría axial. Las figuras resultan ser los santos, María y Jesús que es quien la corona. Los colores utilizados son claros de maneras que se encuentra en el cuadro bastante iluminación y contraste con los colores fríos con un poco de los cálidos.

SANDRO BOTTICELLI

 (Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.

En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro.

               

Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.

A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481 fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la Divina Comedia de Dante.

Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi, Filippino Lippi.

                                       NACIMIENTO DE VENUS

El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

                                                             PRIMAVERA

La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades y marca el eje.

Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.

Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.

La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici. Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio, Lorenzo, en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.

El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas.

Andrea Mantegna

BiOGRAFÍA

Uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, nace en el año 1431 en una pequeña localidad del Véneto. De orígenes humildes, huérfano, criado por su hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano, el cual lo llevaría dentro de los círculos humanistas de Padua dándole una formación clásica, visita Venecia y  conoce las obras de: Donatello, Filippo Lippi y Paolo Uccello.

A los 17 años rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación, llevándolo a uno de sus tantos viajes a Venecia, para casarse con una hija del reconocido pintor Giovanni Bellini.

Pintor de cámara en la corte de los Gonzaga en Mantua, dedicándose la mayor parte de su vida al servicio de los diferentes mandatarios mantovanos.

Tras un breve periplo romano reclamado en 1487 por el Papa Inocencio VIII regresa a Mantua, donde se incorporaría al estudio de Isabella d'Este, esposa del Duque Francesco II Gonzaga, la cual, supo rodearse de los mejores pinceles del momento. Por la presencia de nuevos artistas, decayó su situación económica trayéndole problemas de salud, el cual en 1506 y a los 75 años de edad, fallecería en Mantua.

Principales obras de Andrea Mantegna

Retablo de San Zenón (Pala di San Zeno)

Realiza un retablo para la iglesia de San Zenón de Verona en su taller de Padua la cual es enviada una vez finalizada a Verona en el año1459, está considerado el primer retablo plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una disposición arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un remate a modo de frontón semicircular.

En el cuerpo superior preside la imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por los Apóstoles divididos entre las dos tablas laterales, mientras que en la predela, aparecen las escenas de la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo.

Es perfectamente observable en todo el conjunto como Mantegna se ha desprendido totalmente de cualquier rasgo de arcaísmo en favor de un gusto plenamente moderno, caracterizado tanto por el naturalismo de los paisajes como por el gusto plenamente clasicista de las arquitecturas.

Lamento sobre Cristo Muerto

Magnífico estudio de anatomía que representa la culminación del estilo duro, casi escultórico, e intensamente dramático de su autor: el cadáver aparece encima de una mesa, cuya superficie, lisa y rígida, introduce un factor de expresión dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus dimensiones se acortan de forma brutal.

Se determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua: el torso modelado por una luz rasante, y el volumen y la textura de los pies descritos con detalle. La simplicidad de las superficies anatómicas contrasta con el plegado de la tela

La Virgen, acompañada por san Juan y una tercera figura de la que sólo es visible la parte inferior del rostro, se encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su boca se contrae en un rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y que, sin duda, anticipa el gusto manierista por la expresión rebuscada.

Escasos toques de color animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de cadáveres lacerados.

La figura ha sido representada en un impresionante escorzo y reducida a un tratamiento perspectivo que determina que pueda ser vista desde distintos puntos, alterando la rígida estaticidad monofocal

LEONARDO DA VINCI

Leonardo Da Vinci era científico y artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci (Italia) en 1452 y murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un humanista universal y el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo consigo el retrato de Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente.  Desde 1513 a 1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. Leonardo era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para abandonarlas sin terminar. Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.

LA GIOCONDA

ANÁLISIS

La técnica utilizada es óleo sobre una tabla de 77 x 53 cm.

La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el paisaje.

La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles pertenece Renacimiento s XVI "Cinquecento".

El dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz que adquiere mucha importancia juntamente con las sombras (dan profundidad a la obra).

LA ULTIMA CENA

Es una obra construida sobre la simetría y la perspectiva como efectos básicos de la composición, estando Jesús en el centro del cuadro en sentido horizontal y a su vez está justo en el punto de fuga de la perspectiva central.

La técnica empleada es de Temple y óleo sobre yeso.

La pintura es religiosa y se encuentra en el Refrectorio de Santa María delle Grazie (Milán).

Pertenece al Renacimiento (Cinquecento)

MIGUEL ÁNGEL (Michelangelo Buonarroti)

Biografía

Miguel Ángel, fue un pintor, arquitecto y escultor renacentista de la época, nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, Republica de Florencia-Italia y murió en Roma-Italia el 18 de febrero de 1564. Considerado uno de los mejores artistas de la historia, debido a sus maravillosas esculturas, pinturas y obras arquitectónicas, de Buonarroti si se conservan esculturas, pinturas y obras arquitectónicas como es la Fachada de la Basílica de San Lorenzo en Florencia, la Biblioteca Laurenciana donde realizó la sala de lectura, el artesonado de la sala de lectura, el vestíbulo, las escaleras, el grabado de la plaza del Capitolio, entre otras.

OBRAS

•     LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO

La Conversión de San Pablo, es una obra pictórica de Miguel Ángel, técnicamente es un fresco (Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas de mortero de cal), se encuentra en la Capilla Paolina del Palacio Apostólico en la Ciudad del Vaticano, data de 1542 a 1542, mide 6.25m de alto y 6.61m de ancho, debido a que el autor trabajaba mucho en frescos, esta técnica ya se apodero totalmente de él, pero en este fresco, la obra fue muy criticada, debido a que las figuras huyendo en desorden no fueron bien recibidas.

•     EL JUICIO FINAL

Miguel Ángel es el creador de una gran obra pictórica El Juicio Final o El Juicio Universal, es un mural realizado al Fresco, para decorar el ábside de la Capilla Sixtina en Roma en la Ciudad de vaticano (El ábside es la parte de la iglesia situada en la cabecera. Generalmente tiene planta semicircular pero puede ser también poligonal), El Juicio Final es un enorme conjunto pictórico que mide de altura 13.70m y de ancho 12.20m, es de genero religioso cuyo tema es extraído del Apocalipsis de San Juan.

Rafael Sanzio

(6 de abril de 1483-6 de abril de 1520)

También conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano.

su obra está impregnada de un equilibrado clasicismo. su estilo es la mejor expresión de la “belleza ideal”. su aprendizaje de p. de la francesca, leonardo, y m. ángel convierten a rafael en el artista que mejor representa el sincretismo renacentista.

Algunas de sus obras: Retablo Baronci (una pala de altar para la iglesia de San Nicolás de Tolentino); pinturas como, Los desposorios de la Virgen, La Escuela de Atenas, La resurrección de Cristo , Sagrada Familia con la Virgen del Velo y La coronación de la Virgen; tapices con escenas de la vida de San Pedro.

Análisis de sus obras

Obra: La Escuela de Atenas     1509 d.c.

Análisis simbólico

Plantea una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos de las Estancias está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad, Belleza, Bien; en la Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la que es exaltada, en la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la especulación filosófica.

Expresa también en esta obra la concepción propiamente renacentista de la obra artística entendida como discurso mental, no sólo traducido de forma visible, sino también como búsqueda de la "idea". Se ha querido ver en esta pintura una representación de las siete artes liberales. En el primer plano, a la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva una continuidad entre el conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como protagonista al hombre.

Análisis de Composición

Platón y Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco. A la izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado. La configuración de la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de continuidad entre el presente y el mundo antiguo.

Fresco, 770 cm

-  Stanza della Segnatura, Palacio Pontificio, Vaticano

Obra: Madonna de Belvedere (Madonna del Prato)  1506 d.c.

Análisis simbólico

Interpreta de la belleza femenina a través de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el encanto poético, sobre todo en sus obras de juventud.

Análisis de Composición

Su paleta cromática es luminosa y colorista, pero mesurada, buscando siempre la complementariedad de los colores cálidos y fríos.                                              Óleo sobre madera
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena

Tiziano Vecellio (Italia, 1490-Venecia, 1576)

Pintor italiano, recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La concepción poética de la pintura En la obra Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje, no tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia.

Aunque sus obras son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, son obras de composición enérgica que muestran una gran vitalidad, se reveló también como un gran retratista. Su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados. Realizó un viaje a Roma, e hizo un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran trabajo subyacente. Realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados por el propio pintor (poesías) por su carácter idílico y distante.

Autor: Tiziano Vecellio

Título: Amor sagrado y Amor profano

Año: 1514
Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 118 x 278 cm
Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese

Es un desnudo femenino, manifestación natural en la plasmación del paisaje. La mujer sentada lleva, de hecho, todos los ornamentos de una novia: el vestido blanco, los guantes, el cinturón, y la corona de mirto, símbolo del amor conyugal. La palangana en el borde de la fuente, parte integrante del ajuar porque se utiliza después del parto y la pareja de conejos en el fondo representan, sin embargo, el deseo de una unión fructífera. Inspirado en los ideales de la doctrina neoplatónica, una de las principales interpretaciones identifica a la mujer con el brasero en la mano con la Venus Celeste, imagen de la belleza universal y espiritual y a la mujer vestida ricamente con la Venus Vulgar, símbolo del poder generador y terreno de la naturaleza. Cupido, sorprendido en el acto de verter el agua, representaría, por lo tanto, el amor como un intermediario entre el cielo y la tierra. Revela una lectura en clave moralista de la desnudez de la mujer a la izquierda que debe interpretarse, en cambio, en el sentido clásico, como un canon de sencillez y pureza.

Autor: Tiziano Vecellio

Título: Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito

Año: 1538

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 119 cm x 165 cm

Procedencia: Galleria degli Uffizi (Florencia).

Representa a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es, el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.

Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez, ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón, en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.

Jacopo Robusti il Tintoretto

Nació el 29 de septiembre de 1518 en Venecia. Tomó el sobrenombre de la profesión de su padre que era tintador. Considerado, junto a Veronés, el representante más importante de la Escuela Veneciana de la generación posterior a Tiziano.

Estudió durante diez días con Tiziano. Vivió y trabajó siempre en Venecia, dedicando su obra a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad. Recibió influencias de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone. Autor del San Marcos (1548, Academia, Venecia) para la Scuola di San Marco en Venecia.

Tuvo muchos aprendices entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas aportaciones son a menudo muy difíciles de distinguir de sus propias obras. Trabajó los contrastes de luz y sombra, las perspectivas, escorzos forzados y grupos escenográficos.

Casado con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolló entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori.

Tintoretto falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594. 

El lavatorio de pies es una obra que representa en el lado derecho de la pintura, mientras que parecería más lógico que ocupara el espacio predominante en el mismo centro de la tela. La profundidad a las dos dimensiones del cuadro, al fondo vemos un gran arco que se abre a un estanque, que a su vez se cierra con un nuevo arco en la perspectiva más lejana, y se rodea todo ese espacio exterior de arquitectura.

 La última cena (1594) es una obra, la mesa se dispone en una fuerte diagonal con los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran parte del espacio, En contraposición ciertas zonas en la profundidad del cuadro presentan un aspecto inacabado.